En mémoire de Mona 4.

h.m. 110х135 2026
** Le monde a tourné à l'envers *

Devant nous se trouve une toile sans ciel, sans rivage, sans horizon, c’est-à-dire sans un seul support, sur laquelle la peinture classique permettait au spectateur de naviguer. Il y a seulement la surface de l'eau. Et c'est le principal geste radical: La réalité n'est pas donnée directement, mais reflétée. Nous ne voyons pas d'arbres, mais leur vert tremble; Pas les nuages, mais leur empreinte bleu perle en bas à droite. L’étang ici — le miroir a avalé le ciel: Le haut de la toile est recouvert d’un épais rideau de feuillage réfléchi, écrit par staccato, comme la pluie gelée à la volée, et le fond de – est un abîme d’eau sombre dans lequel tombe un pilier inversé de lumière, la seule «fenêtre» de ce monde à l’envers.

Le centre détient une constellation d'îles: Des dizaines de nénuphars. Rose froid, lilas, blanc nacré, ils clignotent des étoiles sur le feuillage vert du ciel. Et immédiatement — accent audacieux, presque hooligan: taches de corail et de saumon de jeunes feuilles. Ce sont eux qui ne permettent pas à la palette de glisser dans l'ouverture du sucre: Sans ces éruptions de carmin, les légumes verts entreraient dans le décor, avec eux, respirant comme un biotope vivant.

La couleur est orchestrale. Toute la gamme verte — de la malachite et de l’émeraude à l’olive et au noir de bouteille — fonctionne comme un orchestre à l’écoute; Cobalt et turquoise donnent un souffle froid de profondeur, et seulement dans les couleurs la tonalité pour un moment module en majeur. Lumière diffusée, sans source: Le soleil n’est pas représenté, il est implicite: il vit dans la chair même de la peinture.

Et la chair ici est - tout. Pastose swab-mosaic, tangible impasto, grain de toile: la peinture est mise en matrices, chaque cellule de cette membrane est indépendante. De loin, les traits se fondent dans l’eau vacillante, ce mélange optique pour lequel les impressionnistes se sont battus; près de l'image se désintègre en matière pittoresque pure. Et c'est là que commence la chose principale: C'est la langue du défunt Monet, la langue du cycle de Giverny, comptant environ 250 toiles de .. La composition avec l’«île» centrale de fleurs fait écho aux «Pitchers» de 1916-1919 de la collection du Metropolitan Museum of — et se situe exactement à la frontière du figuratif et de l’abstraction: une étape de plus, et les fleurs deviendront des signes, le champ de couleur de l’eau, et à partir de ces cruches pousseront ensuite des informations et un champ de couleur.

Compositionnellement, la toile est assemblée comme une frise: ruban horizontal de feuillage traverse le format comme une corniche, et son bord inférieur déchiqueté pend au-dessus de l'obscurité de l'eau, comme de la dentelle au-dessus de l'abîme. Rythme des couleurs — score: clusters et pauses, un fort au centre, un piano sur les bords. La signature cramoisie en bas à gauche de — est presque la seule trace d’une main humaine dans ce monde sans être humain: Il n'y a pas de chiffre, il n'y a que la durée, le temps dissous dans l'eau.

Le verdict est le suivant:
C'est une peinture sur la peinture. La surface de l’étang est une métaphore de la toile elle-même: L'étang retient le reflet du ciel, ne possédant pas le ciel, la peinture retient la lumière, ne possédant pas la lumière. Une toile qui ressemble à une idylle décorative, et fonctionne comme la méditation: elle ne représente pas la paix de – elle l’induit. Tenez-le dans vos mains et regardez-le lentement.